最近，網路上傳出一則消息：《樂隊的夏天》可能不會辦第三季，
雖然節目被很多人詬病，但不可否認，《樂夏》確實讓很多人開始了解獨立樂隊，
今天，小印想借此機會和大家探討一下獨立音樂這個概念。
什么是獨立音樂？他們的生存狀況究竟怎樣？
獨立音樂是什么？
獨立音樂的“獨立”是什么？它和流行音樂的區別又在哪里呢？
字典上是這么定義的：
獨立音樂：制作過程獨立自主，從錄音到出版，都脫離主流廠牌，作品具有很少的商業性，
流行音樂：商品音樂。以盈利為目的而創作的音樂。它是商業性的娛樂（見前蘇聯《音樂百科詞典》1990年版）
簡單說，獨立音樂是一種自覺自愿的DIY實踐，脫離主流廠牌，完全獨立運營或由小型獨立廠牌簽約的歌手/樂隊。
而流行音樂的重點則是市場收益，寫歌的動機是銷售，而不是表達感情或追求審美趣味。
迷幻搖滾領軍樂隊——suede（山羊皮）
所以，音樂人寫歌的動機才是區分獨立和商業的標準。
當一些并不盈利的獨立音樂人，希望寫出“被廠牌看上的音樂”、“能走紅的音樂”時，他們的音樂便不再是獨立音樂，
這就好比游樂場管理員和游客，
這撥人盡管是在游樂場里，但他們不是游客，而是管理人員——因為他們對真正的游樂，一點興趣也沒有，
所以，只要目的純粹，即便作品取得了很好的商業成績，變得大眾化，它仍然是獨立音樂，
這就牽扯到很多人的一個誤區——獨立音樂是不是小眾音樂？
獨立絕不等于小眾，
典型例子就是Nirvana的成功，
從左至右分別是Dave Grohl，Kurt Cobain，Krist Novoselic
Nirvana是主流廠牌的樂隊，而且Nevermind（第二張專輯）也獲得了巨大的商業成功。
那你能說Nirvana不是獨立樂隊嗎？
沒人會這么認為，Cobain（主唱）可是永遠的叛逆圖騰，
所以，咱們不能以小眾與否論英雄，
但很可惜的是，在很長一段時間里，人們以聽小眾音樂為榮，站在鄙視鏈的最頂端，堅持認為這樣的音樂含有更高的創造性，這是真高估了，
有很多所謂的“獨立音樂人”，他們做的音樂就是流行的審美。之所以稱為“獨立”，只是在商業上的處境。
這就是很多“獨立音樂人”的秘密，
真正的獨立是，堅持自己的音樂審美，并不以此矯情，
很多獨立音樂人沒搞清這一點，以至于讓樂迷們都產生了一種“我聽小眾，我如此有品味”的感覺。
長期抱有這種想法并不好，尤其是不應該貶低那些在商業上取得了成功的樂隊。
獨立音樂人窮得發慌？
雖然曾經是“北京新聲”，但人們對大張偉的印象仍然是“倍兒爽”、“你怎么這么好看”這種口水歌。
玩樂隊的時候沒錢，唱流水歌卻不愁吃穿，大張偉倒是人間清醒：“這歌里沒搖滾的聲兒，但能聽見錢聲”。
獨立音樂是條不歸路。
資深音樂推廣人黃燎原曾說，“頂級樂隊的生活最多算是小康，或者說還不到小康，但是再年輕的樂隊或者說還有一些老樂隊，其實生活還是挺艱難的，就是大部分的人還是處于貧困的狀態。”
可能你會說，綜藝的出現已經讓很多樂隊得到了曝光和流量。
的確，比起前些年，現在獨立音樂人的生存狀態要好了很多，但是出圈的畢竟只是少數，更多的人還是默默無聞，
但大陸傳媒大學部張豐艷工作小組發布的《2019大陸音樂人生存狀況報告》卻顯示：“絕大多數音樂人仍生存艱難，近半數音樂人的稅前月收入在2000元以下，”
要知道，2019年，北京市的最低工資都漲到了2200元。也就是說，“搞音樂的”連基本工資都掙不到……
音樂節遍地開花，他們沒有演出收入嗎？
有，但差距很大。
摩登天空老板沈黎暉曾經說：“《樂隊的夏天》之前，新褲子每場40萬，痛仰45萬，大陸一年有300個音樂節，唱夠20場，年收入接近1000萬；拿票房分成的Live house，一年演50場不在話下，如果每場200塊錢一張票，1000個觀眾就是20萬，”
新褲子樂隊
順便說一下，“Live house”指的是”live music house”，也就是現場音樂場所，
它是小型的演出，一般在200-300人之間，類似于酒吧，但又和普通的酒吧駐唱不同，它的專業門檻很高，而且比大型音樂節，它更貼近樂迷。
鄭州-7LIVEHOUSE
但是又有幾個樂隊能像新褲子、痛仰這樣？
大部分音樂人只有小型演出的機會，而且收入很低。
即便是Live house，情況也不容樂觀，因為目前，大陸Live house仍然停留在“熟人帶熟人”的模式，音樂人普遍缺乏演出機會。
那他們沒有版權費嗎？
有，但真的不多，
獨立音樂制作人李星宇在微博曬出了自己的收入，盡管有3000萬次的累計播放量，但最終他的可提現收益只有724.89元，還沒有同等播放量的一個抖音視訊變現多。
更重要的是，現在大部分付費聽眾基本以明星粉絲為主，獨立音樂人想讓更多人聽到自己的作品，就必須免費，似乎已經構成了一個死循環。
看似一切向好，實際仍窮得發慌，
是什么造成了這種局面？
張亞東認為是大眾被流行音樂洗腦太深，獨立音樂更像圈內人的自嗨。
在《樂夏1》里，Click #15一開嗓，候場的選手秒懂這是不可多得的FUNK。
盡管它獲得同行的贊賞，但是現場投票表現平平，因為大多數觀眾聽不懂FUNK，
而在第二季里，痛仰改編王菲的歌，被職業樂評人批松散、無聊，建議用“炫技式搖滾”來迎合觀眾，
連職業樂評人都想著如何討好觀眾，更不用說沒有經過專業音樂培訓的聽眾了，
這就是為什么“一起學貓叫”能火，節奏簡單，旋律洗腦。
獨立音樂人干嘛那么擰巴？
既然搞藝術缺錢，那干嘛還如此執著于獨立音樂？
這就牽扯到人類的終極目標了，追求愉悅或追求名利，
Schoolgirl Bye Bye的鼓手更生仔這么說過：“作為獨立音樂人，當我站在舞臺上時，現實生活的重量一下子就消失了，我開始真正的放松下來，這是一段美好的時光，”
獨立音樂人追求的是自我個性，這種個性建立在無需取悅他人的基礎上。
這就是獨立音樂的精神來源——出于對早期游吟詩人以及某種音樂的理解和熱愛，有著浪漫化的離散性。
收入不多，但起碼靈魂和軀殼不分家，
比如發光曲線，
作為一支后搖樂隊，發光曲線以后搖滾為根基注入了數學搖滾、迷幻樂、后朋克、實驗、雷鬼等多種不同形態的風格，充滿熱情、想象、能量、瘋狂。
比起如今大熱的“傳承”，發光曲線反其道而行之，走向了相反的目標，更注重表達性與探索性。
就像這首《死在旋轉公寓》，沒有歌詞，簡單但卻極具力量與畫面感，直逼人類終極話題“死亡”，
在主唱薛染看來，作品就是一個人的說明書，裝置、音樂只是形式，觀念、想法才是內在元素。
“大陸傳統音樂對我們的音樂沒有影響太大，他們有他們的路，”
是的，他們有他們的路，我們只管走我們自己的。
同樣的還有惘聞。
從樂隊名就能看出來，沒有人知道，但也不在意外界的看法
惘聞在2012年的專輯《0.7》
作為大陸后搖老大哥，曾經的惘聞癡迷于用悲傷的旋律講故事，但在《歲月鴻溝》里，他們的焦點卻忽然變成了遼闊的時代與城市。
但這種深入生活細節的觀察，注定是冰冷的，克制而隔著一段距離，
后來他們遠赴冰島，希望制作一張溫暖的唱片，于是誕生了《看不見的城市》，
2018年專輯《看不見的城市》
《水之湄》這首歌就是一幅暖色油畫，清脆的吉他點彈混合著像輪胎在柏油馬路上摩擦的質感，而后吉他的音質又與鼓點、噪音糅合。
惘聞突破了后搖的結構框架，沒有使用漸進的層次重疊，卻表達了厚實的空間感。
獨立音樂人以自身為出發點，放大細膩的情感，將音樂放到整個時代里。
雖然現在獨立音樂的發展仍然有些遲滯，但這并不意味著遲滯是不好的，也許在經過足夠的沉淀之后，能重新厚積薄發，
希望更多的音樂人有一天能成為用音樂就能養活自己的“全職藝術家”，
(責任編輯：姜文晶_NN3211)
歌手都只能去電視娛樂才有出場費，誰還買CD啊，也就影視劇主題曲，插曲有個收入，占比這么多音樂人，幾個人有收入？？？